Escultura del Renacimiento 1

Escultura del Renacimiento

Piedad del Vaticano, obra del Renacimiento de Miguel Ángel Buonarroti.

La escultura del Renacimiento se entiendecomo un proceso de procuracion de laescultura de la Antigüedad clásica. Losescultores encontraron en los restosartísticos y en los descubrimientos deyacimientos de esa época pasada lainspiración perfecta para sus obras. Tambiénse inspiraron en la Naturaleza. En estecontexto hay que tener en cuenta laexcepción de los artistas flamencos en elnorte de Europa, los cuales además desuperar el estilo figurativo del góticopromovieron un Renacimiento ajeno alitaliano, sobre todo en el apartado de lapintura.[1]

El renacer a la antigüedad con el abandonode lo medieval, que para Giorgio Vasari«había sido un mundo propio de godos»,[2] yel reconocimiento de los clásicos con todassus variantes y matices fue un fenómenocasi exclusivamente desarrollado en Italia.El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en granmultitud de obras maestras.[3]

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Características

Camafeo en ágata blanca, representando a Carlos I,obra italiana del siglo XVI.

Escultura ecuestre de Bartolomeo Colleoni realizada enbronce por Verrocchio.

La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo lasobras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nuevavisión del pensamiento humanista y de la función de la esculturaen el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representaciónnaturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muyperfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomíahumana. En Italia convivieron por igual los temas profanos con losreligiosos; no así en otros países como España y Alemania, dondeprevaleció el tema religioso.[4]

El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuyacorrespondencia matemática entre las partes se encontraba biendefinida, y el contrapposto fue utilizado constantemente desdeDonatello a Miguel Ángel. En esta época es cuando se dioprácticamente la liberación de la escultura del marcoarquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de laperspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones dedramatismo que llevaban a la sensación de gran terribilità en lossentimientos expuestos en las esculturas de Miguel Ángel, comoen el rostro de su David.[5]

Un papel fundamental fue la figura del mecenas, representados porla iglesia y personajes de la nobleza que obtenían con sumecenazgo prestigio social y propaganda política, y abarcó todoslos temas: religiosos, mitológicos, de vida cotidiana, retratos depersonajes, etc.[6]

Reapareció con el Renacimiento la glíptica greco-romana, que sehabía olvidado casi por completo durante la Edad Media en lalabra de piedra finas (salvo algunas muestras de arte bizantino), ydesde el siglo XVI se labraron preciosos camafeos de gustoclásico, tan perfectos que, a veces, llegan a confundirse con losantiguos. No obstante, apenas sí alcanzó a restablecerse el uso delos entalles de piedra fina, tan predilectos de las civilizacionesgriega y romana. Estos pequeños relieves sirvieron como modelo,una vez agrandados, para la decoración por parte de escultores en grandes medallones para palacios de Italia yFrancia.[7]

Materiales

La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce y madera . Elbronce compitió con el mármol principalmente en monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas paradecoración de interiores, así como en estatuas ecuestres como la del condottiere Colleoni en Venecia. Lasreproducciones de estatuillas en bronce tuvieron gran difusión en el Renacimiento, debido al gran número decoleccionistas. En Florencia fueron Antonio Pollaiolo (Hércules y Anteo) y Andrea del Verrocchio (Niño alado conpez) los iniciadores por encargo de los Médicis. Del taller de Leonardo da Vinci se conservan pequeños bronces con

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el caballo encabritado de una altura de 23 cm.[8] El escultor de Mantua Pier Jacopo Alari Bonacolsi, llamado Antico,se instaló en Roma para la ejecución de reducciones en bronce de mármoles antiguos.[9]

La madera fue utilizada mayormente en países como Alemania y España, donde la gran riqueza forestal y el trabajotradicional de la madera policromada estaba muy arraigado; se empleó en la ejecución de imaginería religiosa,retablos y altares.[10]

La terracota fue empleada como material más pobre y por lo tanto más económico; se utilizó terracota en colornatural y policromada, como la empleada por Antonio Rossellino y su discípulo Matteo Civitali en la Virgen de laAnunciación en la iglesia de los Siervos de Lucca. El artista italiano Pietro Torrigiano realizó en España variasesculturas en barro policromado, algunas de ellas se conservan en el Museo de Bellas Artes de Sevilla.[11] A Luccade la Robbia, que siguió el estilo donatelliano, se le atribuye la invención del barro esmaltado que empleó en eltabernáculo de Santa María Novella de Florencia en combinación con el mármol para darle colorido a la obra, ydespués en tondos y en Madonnas; su taller seguido por su sobrino Andrea della Robbia realizó gran cantidad deobras de terracota esmaltada que se difundieron por toda Europa.[12]

Técnicas

Rapto de las Sabinas, del escultor de FlandesGiambologna, donde la composición se muestra en

movimiento de espiral.

La técnica del tallado de mármol se recuperó en tiempos delRenacimiento con la perfección que había tenido durante elperiodo clásico. A partir del Renacimiento se empleó el taladromanual o trépano para eliminar la piedra hasta una ciertaprofundidad. Esta herramienta se empleaba tanto si se hacía laescultura en talla directa, como a veces había hecho Miguel Ángel,como si se utilizaba el pasado de puntos de un modelo realizado enyeso, como normalmente hacían artistas como Giambologna, dequien se aprecian los puntos marcados en muchas de susesculturas. Donatello empleó el método griego de trabajar elbloque en redondo, sin embargo Miguel Ángel lo tallaba desde unlado.[13]Así lo describió Benvenuto Cellini:

El mejor método empleado jamás por Miguel Ángel;después de haber dibujado la perspectiva principal enel bloque, empezó a arrancar el mármol de un ladocomo si tuviera la intención de trabajar un relieve y,de esta manera, paso a paso, sacar la figuracompleta.[14]

Para las obras en bronce se necesitaba la realización de la obrapreviamente en arcilla o en cera para su posterior fundición;después se cincelaba para suprimir los posibles defectos de lafundición, se pulía la superficie con abrasivos y a gusto delescultor se añadían las pátinas.[13]

La talla en madera, empleada sobre todo en el Norte de Europa yen España, se podía realizar también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un bocetopequeño para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por puntos como en el mármol.[13]

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Composición•• Bulto redondo

El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitruvio, que sostenía:... que la proporción de la forma humana había de servir de paradigma para las proporciones de las creacionesdel hombre. Ya que la naturaleza ha diseñado al cuerpo humano de manera que sus miembros estándebidamente proporcionados a la figura en su conjunto; parece que los antiguos tenían una buena razón para suregla, que dice que en los edificios perfectos los diferentes miembros deben guardar relaciones simétricasexactas con el esquema general en su conjunto.

D'Architectura (siglo I) VitruvioLa composición de la figura humana se basó en la búsqueda de la perfección en la anatomía, sobre la que muchosartistas de esta época adquirieron verdaderos conocimientos con la practica de disecciones para su estudio.[15] Laprimera escultura exenta renacentista que mostró la armonía del desnudo fue el David de Donatello durante elQuattrocento, en la que se apreciaba la influencia del estilo de Praxíteles con un ligero contrapposto para conseguirel equilibrio en la composición. Durante los siguientes años los conocimientos sobre la anatomía humana fueronadquiriendo una gran perfección, hasta llegar a un contrapposto pleno. Las expresiones de los rostros dejaron de serhieráticas y ausentes para mostrar sentimientos interiores; la llamada terribilità renacentista (David de Miguel Ángel,hacia 1504). En los grupos escultóricos de carácter religioso se mostraba la combinación del naturalismo con unaintensa expresividad, la serenidad florentina desapareció ante las pasiones que mostraban los personajes con suscaras deformadas por los gestos de desesperación y dolor, visibles en los Entierros de Cristo de Guido Mazzoni y deNiccolò dell'Arca.[16] La escultura fue evolucionando en su concepción y en las composiciones de sus grupos, hastallegar a la serpentinata propia del manierismo, que se muestra claramente en obras como la Piedad florentina(Miguel Ángel) o el Rapto de las sabinas (Giambologna).[17]

•• Relieve

Relieve de "Adán y Eva" por Ghiberti.

En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién adquiridasleyes de la perspectiva para componer los fondos de lasrepresentaciones, como en la célebre puerta del Paraíso deGhiberti o en los relieves con la técnica de stiacciato para el altarde San Antonio en Padua realizados por Donatello. Se componíanestructuras arquitectónicas como telón de fondo, igual que Giottohabía hecho en sus pinturas protorrenacentistas. Algunas laudas debronce italianas fueron transportadas a España, como la que seencuentra en la catedral de Badajoz de Lorenzo Suárez deFigueroa.[18]

La escultura flamenca junto con la de países germánicos sedesarrolló con un realismo que se apreciaba en todos los detallesornamentales, donde el trabajo escultórico se presentaba casi comouna labor de orfebrería que se aplicó en los grandes altaresrealizados en madera. También en España, la influencia gótico-flamenca junto conla italiana se recogió en relieves,como el de una de las puertas de la catedral de Barcelona realizada por el escultor flamenco Michael Lochner y porBartolomé Ordóñez de estilo italiano en el trascoro de la misma catedral. Los relieves alrededor de los sarcófagossolían representar escenas de la vida

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Busto-retrato de Giuliano de Médici por Verrocchio(1475-1478).

de los difuntos: su vida, milagros y martirio si eran religiosos, o larepresentación de batallas y hechos militares si eran personajes dela nobleza. Los monumentos funerarios fueron desarrollandodiferentes fases de composición, desde la estructura tradicional dela losa funeraria o la estatua del yacente solitario en su sarcófagoempleado en la época medieval, a las tumbas adosadas enmarcadaspor elementos arquitectónicos a la manera de arco de triunfo, ycon un resultado parecido a un retablo, donde en la calle central seencontraba la urna normalmente con la figura del yacente sobreella y figuras alegóricas en las calles laterales. Finalmente serealizaban con la representación de los difuntos en actitud orantepropios de España y Francia.[19]

Durante el Renacimiento se originó en España el estilo plateresco,que representó el cambio de las formas de decoración en losedificios con elementos escultóricos de estilo principalmenteitaliano, no solamente se realizó en la piedra de las fachadas sino también en madera y yeso en los interiores de losedificios, a base de relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer Renacimiento (llamados «incandelieri») con grandes escudos heráldicos y putti a su alrededor.[20]

•• Busto

Los retratos en forma de busto siguieron siendo utilizados en el Quattrocento con la nueva concepción humanísticaque imponía la representación con gran parecido físico, pero también con la afirmación de la personalidad delretratado. Según Alberti, el artista debía «caracterizar pero también establecer relaciones armoniosas». Se realizaronen bronce, terracota policromada y mármol (Donatello, Verrocchio, Francesco Laurana).[21]

•• Estatua ecuestre

La estatua ecuestre de tamaño natural en bronce ya había sido tratada por los escultores romanos como el MarcoAurelio emplazado entonces en San Juan de Letrán; también los caballos de bronce de San Marcos de Veneciasirvieron de modelo para el Renacimiento italiano, y pueden considerarse inspiradores del Gattamelata de Donatelloy del Colleoni de Verrocchio. Los estudios de Leonardo da Vinci conllevaron un cambio en la representación delcaballo, que se colocó apoyado sobre sus patas traseras y en actitud de abalanzarse sobre el enemigo; la idea fuetomada probablemente de relieves de sarcófagos antiguos.[22]

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Escultura italianaLa historiografía divide este período entre los siglos XV y XVI, en dos etapas que toman el nombre de Quattrocentoy Cinquecento.

El Quattrocento. Escultores florentinos

Relieve sobre el Sacrificio de Isaac, de Ghiberti.

Mientras en el resto de Europa imperaba todavía el arte gótico, enItalia comienza en el siglo XV el Quattrocento o Renacimientotemprano. Es el momento en que triunfa el Hombre y laNaturaleza. La escultura va por delante de la arquitectura y de lapintura, desarrollándose vertiginosamente. Sus antecedentestuvieron lugar en el sur de Italia, en la corte de Federico II, bajocuya protección nació una escuela artística que traía ya lucesanticipadas de lo que sería el Renacimiento del siglo XV. Fue laregión de la Toscana durante el anterior periodo trecentista la queheredó esta nueva manera de hacer escultura en la figura deNicolás Pisano, seguido por su hijo Juan Pisano, y después AndreaPisano (primeras puertas de bronce del Baptisterio de Florencia) yNino Pisano.

Púlpito del baptisterio de Pisa, de Nicolás Pisano,precursor del Renacimiento en Italia.

Nicolás Pisano (firmaba sus obras con este apelativo), cuyonombre era Nicolás de Puglia, llegó desde esta región del sur deItalia (llamada en español Apulia) a establecerse en Pisa(Toscana). En Pisa (como en la mayoría de las regiones deEuropa) se mantenía todavía el arte románico y se empezaba aemplear el gótico. Nicolás Pisano recibió el encargo de labrar elpúlpito del baptisterio de la catedral de esta ciudad. Lo hizosiguiendo las nuevas corrientes aprendidas en Apulia sobre todohaciendo hincapié en la forma clásica del Hércules desnudo. Estaobra, el púlpito, está considerada como precursora delRenacimiento italiano.[23]

Tras estos antecedentes, será la ciudad de Florencia (ciudadpróspera en estos momentos, con la poderosa familia de losMedici, mecenas y promotores del arte), la que tome elprotagonismo en la figura de su mejor representante: LorenzoGhiberti. A partir de este momento ya no se detectará ningúnatisbo ni lastre medieval. La escultura florentina será durante sigloy medio la dominadora del retrato de busto, del ecuestre, delrelieve y del bulto redondo. El material empleado por excelenciaen este periodo fue el mármol seguido del bronce.

Ghiberti, Donatello y Jacopo della Quercia como los mejores, seguidos por los della Robbia, Verrocchio, AntonioPollaiuolo y Agostino di Duccio, formaron el grupo de grandes escultores de la escuela florentina del Quattrocento.

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El David de Donatello.

Esta etapa del Quattrocento comenzó con la obra escultórica de losrelieves de las puertas del Baptisterio de Florencia realizados porLorenzo Ghiberti, un joven escultor de veinte años. El Baptisterioya tenía dos puertas labradas por Andrea Pisano en 1330, y en1401 se convocó un concurso para las otras dos restantes. Elconcurso fue ganado por Ghiberti (en competición conBrunelleschi), terminando la primera de las dos puertas en 1424;su trabajo fue admirado y muy bien considerado, por lo que laciudad le encargó la segunda puerta. Invirtió unos veinte años enlabrar cada una; fue prácticamente la obra de su vida. Esta segundapuerta hecha por Ghiberti y cuarta del baptisterio es la conocidacomo Puerta del Paraíso, bautizada así por Miguel Ángel yconsiderada uno de los hitos del Quattrocento.

El segundo gran escultor de este periodo fue Donatello, diez añosmás joven que Ghiberti. Fue mucho más polifacético en su obra,concentrándose sobre todo en la figura humana. Donatello estenido en la Historia del Arte como el precursor de Miguel Ángely es, en verdad, un artista independiente, fogoso y realista. Sumayor interés fue la figura humana en las distintas edades, abarcando toda clase de tipos, gestos variados yexpresando en su obra los estados espirituales más heterogéneos. Por otra parte, se considera a Donatello como ungran experto en el tema infantil, sobre todo en la expresión de la alegría de los niños (tribunas de las catedrales deFlorencia y Prato). En la escultura de bulto redondo Donatello difundió el retrato renacentista del busto cortadohorizontalmente por el pecho y no sobre pedestal (como era costumbre en la escultura romana). Ejemplos: Busto deAntonio de Narni que lleva un gran camafeo al cuello; busto en terracota de San Lorenzo, representado como unjoven diácono, en la Sacristía Vieja de San Lorenzo en Florencia. Esta manera de presentar los bustos-retrato fueadoptada por los escultores del Renacimiento y llegó casi hasta época barroca. En el siglo XVI el busto se fuealargando hasta ser cortado por la cintura. También dentro de la escultura de bulto redondo, Donatello fue elprecursor de la figura a caballo (en bronce) en homenaje a un gran personaje y dispuesta en el centro de una plazapública. La primera estatua ecuestre de Donatello fue la conocida como Gattamelata (condottiero Erasmo deNarni).[24][25][26]

Fuente Gaia en Siena.

Jacopo della Quercia (muerto en 1438) es el tercer gran escultor deesta escuela florentina y el único del grupo que no es natural deFlorencia sino de Siena. Pertenece a la generación de Ghiberti. Suestilo es grandilocuente y masivo, en contraste con el estilodetallado de Ghiberti. Su obra maestra fue la portada central deSan Petronio, en Bolonia, que comenzó en 1425. Se trata de unaserie de relieves representando el Génesis y la infancia de Jesús,con bustos de profetas y la imagen de la Virgen de San Petronio.En sus relieves domina la monumentalidad y el tratamiento de hercúleos desnudos, anticipándose al estilo de MiguelÁngel. Jacopo della Quercia es el autor de la Fuente Gaia de Siena, de las tumbas de Ilaria del Caretto en Luca y deGaleazzo Bentivoglio en Bolonia.

El grupo de la familia de la Robbia está encabezado por Luca della Robbia (muerto en 1482), que se dedicó casi por completo al tratamiento de la infancia y juventud de la figura femenina. Luca creó escuela en la que introdujo la técnica del barro vidriado, que fue apareciendo en los más diversos temas, desde el pequeño relieve hasta el retablo con copiosas figuras. También trabajó en mármol y en bronce. Andrea della Robbia, sobrino de Luca, fue el mejor

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dotado de sus seguidores.[27] Es el autor de los tondos (medallones circulares) de niños labrados en el Spedale degliInnocenti de Florencia. El último del grupo fue Giovanni della Robbia, que no sólo era escultor, sino tambiéndecorador y, en ocasiones, alfarero.[28]

Lorenzo de Medici, por Verrocchio.

Andrea del Verrocchio (1435-1488) estuvo muy influenciado por lasobras de Donatello hasta el punto de repetir alguno de sus temas, comoel David en Florencia o la estatua ecuestre del condottiere Colleone enVenecia (ambas de bronce). Verrocchio se caracteriza por su profundoestudio anatómico. Antonio Pollaiuolo fue también unbuenrepresentante florentino de la interpretación de la energía corpóreay del movimiento violento. Su obra maestra en este estilo es Hércules yAnteo, guardada en el Museo de Bargello. Agostino di Duccio(1418-1481) fue también un seguidor de Donatello, imitando sufamoso schiacciato,[29] sobre todo en la decoración de la fachada deloratorio de San Bernardino en Perugia y en el templo Malatestiano deRímini.

Otro gran escultor que trabajó en Módena fue Guido Mazzoni (muertoen 1518), cuya obra en su mayoría fue hecha en barro cocido pintado,técnica que estaba en estos momentos en gran auge. Una de suscomposiciones más famosas fue el Llanto sobre Cristo muerto para laiglesia de San Juan de Módena, que a su vez debió influir en la obradel mismo título elaborada por Juan de Juni en 1463, a raíz de un viaje a las ciudades de Bolonia, Módena yFlorencia.

Llanto sobre Cristo muerto de Mazzoni. Relieves de Agostinodi Duccio en eloratorio de San

Bernardino (Perugia).

CinquecentoEl Cinquecento o pleno Renacimiento se desarrolló a lo largo del siglo XVI con características diferenciadas en cadauna de las dos mitades del siglo, dominando el clasicismo en la primera y el manierismo en la segunda. Supuso eltriunfo de las experiencias del Quattrocento. Una de sus características principales es el gusto por la grandiosidadmonumental, teniendo siempre presente el hallazgo del Laocoonte y sus hijos clásico, descubierto en 1506. Mientraslos artistas del Quattrocento crearon escuela en Florencia, los artistas del Cinquecento crearon sus obras ydesarrollaron su arte principalmente en la ciudad de Roma, que pasó a ser el centro artístico del nuevo siglo.Florencia se mantuvo como ciudad renacentista importante, y se siguieron haciendo obras maestras de arte en lacapital toscana durante este período, como el David, los sepulcros de las Capillas de los Médici, el Perseo de Cellini,etc. El artista representativo de este periodo es Miguel Ángel, personaje de gran fuerza y personalidad.

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El David de Miguel Ángel.

Miguel Ángel Buonarroti, discípulo también de la escuela florentina,resume en su persona casi todo el arte escultórico de su época en Italia(años 1475-1564). En los primeros treinta años de su vida conservó sucincel algunas tradiciones del siglo XV produciendo obras moderadasy bellas aunque vigorosas. A esta primera época se deben susponderadas esculturas de la Madonna de Brujas y la Piedad conalgunos Bacos y Cupidos y el David de Florencia. Pero desde el año enque los papas comenzaron a encargarle la construcción de grandiososmonumentos, creó un estilo gigantesco, vigorosísimo, lleno de pasión,independiente y llamado de terribilità excepcionalmente suyo. De estegénero son las esculturas de los sepulcros de los Médici en la capilla deéstos en Florencia (de Julián y su hermano Lorenzo, cuya estatuasedente se conoce con el nombre de Il Pensieroso por su actitudpensativa) y las estatuas que preparaba el artista para el sepulcro delPapa Julio II sobre todo el famoso Moisés que halla en la basílica deSan Pietro in Vincoli.

Sansovino (su nombre propio es Andrea Contucci) fue un artista educado entre los artistas florentinos que semanifiesta en sus esculturas amante de la forma exterior, de la anatomía y del clasicismo, sobre todo en las estatuasque decoran los mausoleos del cardenal Ascanio Sforza y del obispo Basso Rovere en la iglesia de Santa María delPopolo, aparte de otras en Florencia y Venecia. Su discípulo Jacobo Sansovino trabajó principalmente en Venecia,siendo el gran difusor de la obra de Miguel Ángel. Una de sus mejores obras escultóricas es el Baco [30].

Perseo de Cellini.

Benvenuto Cellini fue, además de escultor, un gran orfebre. Su obramonumental en bronce de Perseo con la cabeza de Medusa fue unsímbolo del triunfo de la familia Medici sobre la Repúblicaflorentina. Es el autor del Cristo de mármol del monasterio de ElEscorial.

Bandinelli y Ammanati fueron dos escultores contemporáneos deCellini que esculpieron para la plaza de la Señoría de Florencia lasmonumentales estatuas de Hércules y Caco y Neptuno. Los dosLeoni, Leone y Pompeyo (padre e hijo) fueron grandes fundidores enbronce y trabajaron principalmente en España, durante el reinado deFelipe II.

Manierismo

El término manierismo se refiere a un estilo de característicaspropias dentro del Renacimiento. Se dio a lo largo de siglo XVI,especialmente a partir de 1520.[31] La característica que mejor lodefine es la constante búsqueda de lo no convencional junto con ladestrucción de un equilibrio lógico aplicando líneas o posturasdeformantes, algo que a primera vista puede ser desconcertante parael espectador. Es el rechazo del equilibrio adoptando posturasforzadas.

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Piedad florentina de Miguel Ángel.

En el manierismo la escultura rehusó el clasicismo buscandoformas curvilíneas y dinámicas, la llamada serpentinata ocomposición de curva y contra curva en que los cuerpos giraban ensí mismos, en espacios estrechos y a veces con escorzos muypronunciados.

En Italia, la escultura manierista está representada por Juan deBolonia, Benvenuto Cellini y Miguel Ángel, uno de cuyos mejoresejemplos es la Piedad florentina donde el Cristo se muestra conpostura serpentinata.[32]

Se difundió este estilo por Europa gracias a la extensa colección degrabados, y sobre todo en el terreno escultórico en la profusión depequeños bronces venidos de Italia. Así se desarrolló en las corteseuropeas de Francisco I en Fontainebleau con FrancescoPrimaticcio, que fue el encargado de traer copias de antigüedadesdesde Roma.[33] También se desarrolló en la corte de Rodolfo II enPraga, y de Felipe II en El Escorial, donde la corrección académicacaracterizó el estilo del manierismo empleado por los Leoni.[34]

Influenciado por Miguel Ángel, Gaspar Becerra impuso su estilomanierista en el retablo de la catedral de Astorga, y es enValladolid, donde se encontraba además de Becerra Juan de Juni,

donde se realizó más escultura de este tipo clásico-heroico.[35]

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Escultura francesa

Memorial de René de Chalon en Bar-le-Ducobra de Ligier Richier.

El interés político de los reyes de Francia por asentar sus dominios entierras italianas tuvo consecuencias culturales, ya que fueron varios losartistas italianos que a partir de la segunda mitad del siglo XV seestablecieron en la corte francesa, siendo Francisco I el principal mecenasde estos artistas, entre los que se encontraba Leonardo da Vinci. Hacia1460 se estableció en Provenza el escultor Francesco Laurana, al que seconsidera el introductor del Renacimiento en Francia, que trabajó sobretodo en la parte sur del país. Una de sus esculturas más conocidas es elsepulcro de Carlos IV de Anjou en la catedral de Le Mans.[36]

Uno de los temas más tratados en la escultura francesa de esta época es eldel Santo Entierro y los monumentos sepulcrales donde la figura delyacente es tratada con gran realismo. Se representa el difunto comocadáver o incluso en esqueleto; en el momento de la transición, como es elcaso del de Juana de Borbón en el Louvre. De este tipo son dos obrasrealizadas por Ligier Richier con policromía en blanco, negro y gris: elMemorial de René de Chalon en Bar-le-Duc en el que el esqueletoparcialmente descarnado tiende un corazón hacia el cielo; y el demacradocuerpo yacente de Felipa de Güeldres en la Iglesia des Cordeliers deNancy. Esta alegoría de la resurrección de los muertos llega mediante elcamino de la «terribilità» italiana y del desvelamiento del interior delcuerpo, aunque no presente una anatomía perfecta a los ojos de laciencia.[37]

Con la influencia del hacer italiano se destaca Michel Colombe, escultorde la Reina Ana de Bretaña a principios del siglo XVI y que realizó porencargo suyo el sepulcro de sus padres, el duque Francisco II y Margarita de Foix en la catedral de Nantes. En lasfiguras yacentes del sepulcro todavíase aprecian rasgos góticos, no así en los elementos decorativos y en cuatrofiguras de las Virtudes de tamaño natural colocadas en los ángulos del monumento funerario.

Las Cuatro Estaciones de Jean Goujon, (c.1547) (Musée Carnavalet,París).

Su sobrino Guillaume Regnault, también escultor, lesucedió en el cargo como escultor de la Reina. Su obramaestra son las estatuas yacentes del consejero realLouis Porcher y su esposa, hoy en el Museo delLouvre.[38]

También a principios del siglo XVI, Jean Goujon(llamado el Fidias francés) inició sus trabajos en Ruan,y en 1544 acudió a París para ser nombrado escultorreal en 1547, donde realizó numerosos encargos comolas alegorías de Las Cuatro Estaciones, las Ninfas, unasCariátides para la tribuna de los Músicos y realizó lossignos del Zodíaco para el antiguo ayuntamiento deParís. Por estos mismos años Germain Pilon realizó

numerosos monumentos funerarios con gran influencia de Miguel Ángel, entre los que descolla el Cristo Resucitadocon figuras de los guardianes, un grupo para la capilla de Enrique II conservado en el Museo del Louvre, cuyas

figuras están inspiradas en composiciones pictóricas como el José de Arimatea de Rosso Fiorentino. El Cristo muerto se asemeja a los grabados de Parmigianino, pues las figuras buscan las diagonales y los escorzos son

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espectaculares, con los pliegues de los vestidos apretados y muy delgados, recordando los relieves de la antigüedadclásica. Fiel seguidor suyo fue su discípulo Bartolomé Prieur, quien trabajó al servicio de Enrique IV de Francia.Pierre Puget, llamado el «Bernini francés», fue ya un escultor tardío del Renacimiento; sobresalió su obra Milón deCrotona.[39]

Escultura españolaLas ideas y formas escultóricas del Renacimiento italiano penetraron en España con los artistas florentinos quefueron a trabajar a la corte española durante el siglo XV, y siguieron extendiéndose con la obra de artistas de variasnacionalidades y de algunos españoles que aprendieron en Italia desde los últimos años de dicho siglo. Sin embargo,el nuevo estilo no logró implantarse con firmeza hasta el advenimiento del Rey Carlos I de España al trono, aprincipios del siglo XVI.[40]

Ya en 1339 había llegado a Cataluña el arte de los pisanos con el sepulcro de Santa Eulalia en la catedral deBarcelona, labrado por Lupo di Francesco, aparte de algunas otras influencias arriba descritas. Casi un siglo despuésse labraron en el trascoro de la catedral de Valencia algunos relieves por el florentino Giuliano, discípulo deGhiberti, junto con otros de mano española. Pero estos ensayos y tentativas quedaron aislados hasta la llegada deotros maestros de la escuela florentina a finales del siglo XV y principios del siguiente.

Sarcófago del príncipe Juan del escultor DomenicoFancelli.

La escultura renacentista se hizo presente a través de tres víasdistintas: Escultores italianos mandados llamar por los mecenas yque realizaron sus obras en España; obras importadas, procedentesde los talleres italianos; primera generación de artistas españoles.En el primer grupo se encuentran los escultores DomenicoFancelli, Pietro Torrigiano y Jacopo Florentino, también llamadoel Indaco.[41]

• Domenico Fancelli labró el sepulcro del infante D. Juan (hijode los Reyes Católicos, muerto en 1497) en la iglesia delmonasterio deSanto Tomás de Ávila, el de los Reyes Católicosen Granada y el mausoleo mural de Diego Hurtado de Mendozaen la catedral de Sevilla (año 1509)

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San Jerónimo (Pietro Torrigiano).

• Pietro Torrigiano fue un gran escultor del barro cocido al que seadjudican un San Jerónimo y una estatua de la Virgen queactualmente se encuentran en el Museo de Sevilla.

Entre las obras encargadas a Italia sirvan de ejemplo el San Juandel taller de Miguel Ángel para la ciudad de Úbeda y unos cuantosrelieves del taller de la familia Della Robbia.

En cuanto a los artistas escultores españoles, la primera generaciónestuvo compuesta por Vasco de la Zarza (trascoro de la catedral deÁvila), Felipe Vigarny (retablo mayor de la catedral de Toledo),Bartolomé Ordóñez (sillería del coro de la catedral de Barcelona)y Diego de Siloé (sepulcro de don Alonso Fonseca en Santa Úrsulade Salamanca).[42]

Entrado ya el segundo tercio del siglo XVI y siguiendo hasta elaño 1577, sobresalieron Alonso Berruguete y Juan de Juni; esteúltimo de origen francés y con taller en Valladolid, autor de losretablos mayores en las iglesias de Santiago y la Antigua, así comode muchas otras obras que se encuentran en Segovia, CiudadRodrigo y otras poblaciones de Castilla. Surgieron también otros

grandes maestros del Renacimiento español que siguiendo las normas italianas supieron dar a sus obras un carácterpuramente español, creando escuela en las distintas regiones del ámbito nacional.

El tercer tercio llegó con el gusto clasicista. Trabajaron en la corte del emperador Carlos los dos escultores italianosLeoni (Leone y Pompeyo, padre e hijo) con la fundición en bronce de las estatuas de Carlos I, de Felipe II y de otraspersonas de la Real Familia.

Sacrificio de Isaac de AlonsoBerruguete.

San Antonio de Padua, deJuan de Juni.

Felipe II por Pompeyo y León Leoni.

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Plateresco

Palacio de los duques de Medinaceli en Cogolludo(Guadalajara).

Dentro del Renacimiento es una variedad puramente española, quese corresponde con el estilo manuelino portugués. Se llamatambién Gótico isabelino o estilo Reyes Católicos, por haberempezado con el reinado de estos monarcas, aunque se extiendehasta los tiempos de Felipe II. El término plateresco sueleemplearse para la arquitectura, pero como es un arte puramentedecorativo y de ornamentación escultórica, puede tener cabidaaquí en este pequeño apartado.

Fachada lateralplateresca del Ayuntamiento de Sevilla.

Se caracteriza por mantener ciertos componentes góticos ymudéjares dentro del hacer renacentista. Las fachadas se esculpencomo si fueran retablos, y junto al almohadillado típico delRenacimiento se muestran las columnas abalaustradas congrutescos y llenas de decoración y ventanas de tradición goticista.Proliferan los tondos o medallones y los escudos colocados en lasclaves de las bóvedas y en las enjutas de los arcos. Se trata de ungénero muy decorativo. Alcanzó su mayor exuberancia enAndalucía. Un buen ejemplo puede ser la fachada delAyuntamiento de Sevilla por Diego de Riaño.[43]

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Escultura alemana

Detalle de San Sebastián, escultura en maderapolicromada de Riemenschneider.

La prosperidad de las ciudades germánicas se afianzó con elalargamiento de la época gótica, produciéndose en los primerosdecenios del siglo XVI la introducción de la escultura renacentista conla influencia de la escuela florentina italiana. La mayor parte de estaescultura se realizó en madera, por la gran riqueza forestal de susregiones y con una magnífica policromía y dorado. A los escultoresalemanes les costó abandonar los ropajes góticos y que sus personajesadquiriesen el espíritu clásico, así se puede ver claramente en las obrasde Veit Stoss, en el retablo de la Virgen en Santa María de Cracovia,en los relieves de la catedral de Bamberg o en la Anunciación delRosario en la iglesia de San Lorenzo de Núremberg. También en elmismo estilo se encuentran las esculturas de Tilman Riemenschneider,obras extraordinarias como el Altar de la Anunciación de la iglesia deCreglingen.[44]

Como «mundo esculpido» se conoce el carácter que adoptó la esculturaen los países germánicos durante la segunda mitad del siglo XV, quepuede verse en los grandes polípticos de altar de algunas iglesias ycatedrales alemanas. Se trata a menudo de altares de dos y hasta cuatro hojas totalmente esculpidas, con agujas yaltos pináculos que albergan, en su parte central, la «caja», con una escena religiosa. Vasari, conocedor del estiloalemán, decía sobre él:

(...) paciencia y sutileza grandísima... los escultores operan continuamente de guisa que reducen lascosas a tanta sutileza que dejan pasmado al mundo.

Caja central del altar de Blaubeurer obra de Michel Erhart.

Michel Erhart de Ulm consiguió un gran controlestilístico. Su obra más puntera es el altar delmonasterio benedictino de Blaubeurer(Baden-Wurtemberg) donde se pueden apreciar en lacaja cinco grandes esculturas policromadas. En losterritorios periféricos germánicos, al sur del Tiroltrabajó el escultor Michael Pacher; entre sus obras sedestaca el altar mayor de San Wolfgang, de oncemetros de altura y donde se combina magistralmente lapintura con la escultura.[45]

La escultura alemana tuvo corta vida en la época delRenacimiento. Descolló como escultor Peter Vischer

junto con otros miembros de su familia inspirados más directamente en el Quattrocento italiano, como se ve en elsepulcro de San Sebaldo (1507-1519) en Núremberg, así como su participación en el mausoleo del emperadorMaxiliano en Innsbruck, que debía agrupar a cuarenta estatuas de tamaño mayor del natural y cien estatuillasmenores con cuarenta bustos de emperadores. De este trabajo solo se llegó a realizar una tercera parte, y lasesculturas realizadas fueron fundidas en bronce. También intervino en esta obra Alberto Durero, para la que diseñóla Cabeza del Rey Arturo y realizó la escultura de cuerpo completo Vischer, con la decoración y la armadura enestilo medieval, pero con el claro contrapposto de un héroe de la Antigüedad.[46]

Escultura del Renacimiento 16

Escultura en los Países Bajos

Detalle de la tumba de Margarita de Austria en Bourg-en-Bresse,realizado por Conrad Meit.

En los Países Bajos se habían desarrollado yconsolidado completamente las actividades artísticasdurante el período gótico a niveles muy altos, lo quehace comprensible que fueran reacios a admitir otroscriterios. Así pues, fue tardía la aceptación del nuevoestilo que venía de Italia y las decoraciones góticas semantuvieron aún durante largo tiempo. En larealización de retablos, sillerías de coro y mobiliarioreligioso con escultura incluida, se utilizó la talla enmadera, en los que se elaboraron los elementosrenacentistas al estilo de los realizados en la partelombarda de Italia.

Obra de Jacques du Broeuq.

En 1507 se convierte en gobernadora de los Países Bajos Margarita deAustria, en nombre de su sobrino Carlos I, creando una corte de tipohumanista en Malinas. Margarita era una gran coleccionista de arte y toma asu servicio todo tipo de artistas, entre ellos el escultor Conrad Meit, nacido enWorms, el cual trabaja en el arte del retrato y de pequeñas estatuillas demadera de boj o bronce. A él le encargó Margarita la realización de lasfiguras «en vivo y en tránsito» de su marido Filiberto el Hermoso, el de sumadre María de Borgoña, y el suyo propio para la iglesia de Brou deBourg-en-Bresse.[47]

El belga Herman Glosencamps construyó las esculturas decorativas de lachimenea de las Casas Consistoriales de Brujas. En Utrecht se encuentranvarias estatuas debidas al escoplo de Uries y Kéyser, en las que el naturalismorenacentista es apreciable en los detalles anatómicos y en los plegados de lasvestiduras, admitiéndose de manera plena el nuevo estilo en la segunda mitaddel siglo XVI.

Jacques du Broeuq, maestro de Juan de Bolonia, fue nombrado arquitecto yescultor de la corte por María de Austria, hija de Carlos I de España, para laquerealizó numerosas obras; entre ellas resalta un conjunto de esculturas enalabastro para el coro de Sainte-Waudru de Mons. Sus relieves se acercan alos escultores italianos contemporáneos, y se aprecian rasgos clasicistas en los

pliegues de sus ropas, al estilo de la estatuaria antigua. En los relieves de mayor tamaño como el de la Resurrecciónse muestra a los personajes con unas siluetas alargadas y casi de bulto redondo muy acusado.

La obra del escultor y arquitecto Cornelio Floris de Vriendt se manifestó con gran semblanza a lo italiano en lafachada del ayuntamiento de Amberes, en los sepulcros de los reyes de Dinamarca y los duques de Prusia enKönigsberg, y en la decoración del coro de la catedral de Nuestra Señora Tournai, realizado con un gran parecido alestilo de Andrea Sansovino.[48]

Escultura del Renacimiento 17

Escultura inglesa

Monumento funerario de Shakespeare en Holy Trinity Church, deStratford, por Gerard Johnson.

La escultura inglesa del siglo XVI se deriva de laitaliana, siendo de este último país los más notablesartistas que trabajaron en Inglaterra. Los monarcas,para animar la vida artística, ejercieron una funciónmuy importante a la hora de desarrollar estemovimiento artístico. Entre los primeros y principalesescultores italianos figuró Pietro Torrigiano, a quien sedebe el sepulcro de Enrique VII e Isabel de York. Estárealizado en mármol y bronce dorado, con las figurasyacentes de los monarcas y en cada ángulo del sepulcrounos ángeles que sostienen los escudos de armas; seencuentra en una capilla de la abadía de Westminster enLondres. En 1511 esculpió el sepulcro de MargaritaBeaufort, madre de Enrique VII. De 1516 data elsepulcro del archivero real, John Young, a quientambién representó en un busto conservado en laNational Portrait Gallery de Londres.

También le fue encargada por Enrique VIII su propia sepultura y la de su esposa Catalina de Aragón en 1518. Apesar del viaje del escultor a Italia para contratar ayudantes, se desconocen los motivos por los cuales no llegó arealizar la obra y abandonó la corte inglesa para instalarse en España en 1525. Este sepulcro se realizó finalmenteentre 1524 y 1528 por el escultor italiano Benedetto da Rovezzano.

Con la implantación de la reforma protestante se suprimió en Inglaterra la escultura religiosa, y también el contactocon todo lo que pudiera venir de Italia por identificarlo como una vía de influencia papal. Sólo en los soberbiospanteones y en estatuas conmemorativas de personajes tuvo desde entonces alguna vida el arte plástico, como elrealizado por el inglés Richard Parker para la tumba del conde de Rutland (1543) en Bottesford.[49]

La influencia italiana fue sustituida por la francesa y por la venida de artistas flamencos, entre ellos Gerard Johnson(llamado también Garret Jansen), que realizó el sepulcro del conde de Southampton en Titchfield y el monumentofunerario en honor de William Shakespeare en Stratford.[50]

Escultura del Renacimiento 18

Escultura portuguesa

Pórtico del Monasterio de los Jerónimos deBelém realizado por Nicolás Chanterenne.

En las postrimerías del siglo XV, Andrea Sansovino fue a trabajar parael rey Juan II de Portugal; parece que se tenía la sensación de que lositalianos, con su monopolio casi exclusivo del arte antiguo, poseíantambién el don de lo que era correcto dentro del arte.[51]

Se creó alrededor de la corte de Juan III un foco de humanismo segúnel modelo de las cortes italianas. El Renacimiento se impuso en lasciudades de Coímbra, Tomar y Évora con tanta fuerza que en estaregión del Alentejo costó bastante la posterior implantación delBarroco. La escultura portuguesa se manifestó asimismo italianista ensu primer Renacimiento, siendo sus principales obras tres hermososrelieves en el claustro de la iglesia de Santa Cruz en Coímbra, labradospor artistas portugueses:

•• Cristo ante Pilatos•• Paso de la cruz a cuestas•• Misa de San Gregorio

Procedente de Francia, el artista Nicolás Chanterenne realizó en 1515los sepulcros reales para esta iglesia de Coimbra. En 1517 se le encargael pórtico central del Monasterio de los Jerónimos de Belém y las figuras orantes del rey Manuel y la reina María;entre las muchas obras de este escultor se encuentra el retablo en alabastro del Palacio de Pena para la ciudad deSintra. Chanterenne practicó también el arte del retrato con bustos de gran realismo.[52]

En Coimbra se encontraban otros dos escultores también franceses: Juan de Ruan y Felipe Duarte u Orarte, venidoéste último de Toledo y que fue contratadopararealizar el grupo de La Cena, que fue concluido en 1534 con unrealismo extraordinario en actitudes agitadas e impetuosas. El grupo se conserva actualmente en el Museo de laciudad de Coimbra. Rouén trabajó en un retablo de la capilla del Sacramento de la catedral de esta ciudad; tambiénse destaca el púlpito que hizo para el monasterio de Santa Cruz. Este artista llegó a montar un taller importante,donde se esculpían un gran número de obras. A mediados de este siglo se pudo apreciar la influencia española endiversas obras del monasterio de Belém, como en un Crucificado de madera cuyo estilo es similar al del círculo deDiego de Siloé.[53]

Escultura hispanoamericanaEn general la escultura hispanoamericana renacentista se logró, gracias en mayor parte, a las órdenes religiosas y a sulabor de enseñanza junto con la disponibilidad de modelos de obras traídas de España, que fueron de donde enmuchas ocasiones se copiaba, sobre todo la iconografía de las imágenes.En Ecuador fueron precisamente los misioneros franciscanos de origen flamenco Pedro Gosseal y Jodoco Rique losque fundaron la primera escuela en el convento de San Francisco de Quito, enseñando conocimientos en el arte de laarquitectura y la talla, tanto en piedra como en madera, además de la religión y las letras. Los artistas localeslograron unas buenas interpretaciones mezcladas con motivos de su tradición con la ingenuidad de los rostros de lasimágenes así como de la policromía con colores más primarios y mucho más llamativos, donde se puede apreciar enlos retablos que se construyeron durante el quinientos en México, así como en la decoración empleada en las pilasbautismales y en las cruces de los patios conventuales.[54]

Un escultor relevante es el guatemalteco Quirio Cataño, que fue autor, entre otras imágenes, del Cristo Negro deEsquipulas del año 1594.[55]

Escultura del Renacimiento 19

Notas[1][1] Castelfranchi Vegas, Liana (1996) pág.43[2][2] Sureda, Joan, (1988) pág.10[3][3] Sureda, Joan, (1988) pág.13.[4][4] La Gran Enciclopedia en català, Volumen 7 (2004) Barcelona, Edicions 62, ISBN 84-297-5435-0[5][5] Ceysson, Bernard (1996) pp. 70-71[6][6] La Gran Enciclopedia en català, Volumen 17 (2004) Barcelona, Edicions 62, ISBN 84-297-5445-8[7][7] Ceysson, Bernard(1996),pág.102[8][8] Ceysson, Bernard (1996), pp.54-55[9][9] Historia del Arte Espasa (2004), pág.703[10][10] Ceysson, Bernard (1996), pp.120-121[11][11] Sureda, Joan (1988) p. 229[12][12] Sureda, Joan (1988), pp.128-129[13][13] Historia Universal del Arte:Tomo 8 (1984), Madrid, Sarpe ISBN 84-7291-596-4[14][14] Hodson (2000), pág. 42[15][15] Historia Universal del Arte (1984) Madrid, Ed. Sarpe, p.721 ISBN 84-7291-593-X[16][16] Bozal, Valeriano (1983),pág. 198[17][17] Bozal, Valeriano (1983), pág. 195[18][18] Hernández Perera, Jesús (1988) pág.222[19][19] Ceysson, Bernard (1996), pp.46-50[20][20] Historia del Arte Espasa (2004), pág.762[21][21] Ceysson, Bernard (1996) pp.56-57[22][22] Historia del Arte Espasa (2004),pág.702[23][23] Angulo Íñiguez, Diego. Historia del Arte, tomo II, Madrid 1982. ISBN 84-400-8723-3[24] Angulo Íñiguez, Diego (Catedrático de la Universidad de Madrid). Historia del Arte, tomo II, página 64.[25][25] Azcárate, José María de, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Madrid; investigador. Historia del Arte en cuadros

esquemáticos, página 54.[26] José Pijoán. Arte del periodo humanístico trecento y cuattrocento. Summa Artis. Historia general del arte. Vol. XIII.[27][27] Angulo Íñiguez, Diego.[28][28] Era el tercer hijo de Andrea della Robbia. Vasari en sus biografías le considera el menos dotado del grupo. Cuando en 1525 sus hermanos

abandonaron el taller familiar para ir a trabajar a otras ciudades, Giovanni lo mantuvo en activo.[29][29] Es una técnica usada en el Renacimiento y perfeccionada por Donatello para representar una perspectiva ficticia con ayuda de los diferentes

volúmenes en los relieves. Consiste en una disminución progresiva de las figuras, desde el altorrelieve del primer plano hasta el relieve apenasesbozado, casi plano de las figuras del fondo.

[30] http:/ / www. flg. es/ fotos/ 1000/ 1468. jpg[31][31] La palabra manierismo puede dar lugar a confusión, pero no debe interpretarse nunca como sinónimo de amaneramiento.[33][33] Ceysson, Bernard (1996) pág.140[34][34] Historia del Arte Espasa, (2004)pág. 707[35][35] Historia del Arte Espasa, (2004) pág.731[36][36] Alcolea Gil, Santiago (1988)p.318[37][37] Ceysson, Bernard (1996) pp.158-159[38][38] Alcolea Gil, Santiago (1988) pp.321-322[39][39] Alcolea Gil, Santiago (1988) pp.334-335[40][40] Ceysson, Bernard (1996), pág.112[41][41] Historia del Arte Espasa (2004), pág.719[42][42] Mínima muestra de la obra de cada escultor. Más información en la página de cada uno.[43][43] Historia del Arte Espasa (2004) pp.762-763[44][44] Kahsnitz, Rainer (2006) pp. 244-409[45][45] Castelfranchi Vegas, Liana (1997) pp.197-198[46][46] Sureda, Joan (1988) p.352[47][47] Ceysson, Bernard (1996)p.117[48][48] Alcolea i Gil, Santiago ( 1988) pp.336-337[49][49] Alcolea Gil, Santiago (1998)pp.344-346[50][50] Historia del Arte Espasa (2004) p.718[51][51] DDAA, Historia Universal del Arte, volumen 5 ( 1984) Madrid, Sarpe ISBN 84-7291-593-X[52][52] Ceysson, Bernard (1996) p.109[53][53] DDAA, Historia del Arte Espasa(2004)p.734[54][54] Historia del Arte Espasa (2004), p.733

Escultura del Renacimiento 20

[55] Fotografía del Cristo Negro de Esquipulas. Fecha enlace:19 Febrero 2009 (http:/ / farm3. static. flickr. com/ 2079/2196684828_76d5910acb. jpg?v=0) y (http:/ / ceciza-gt. blogspot. com/ 2009/ 01/ cristo-negro-de-esquipulas. html)

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Fuentes y contribuyentes del artículo 21

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