Terceras puertas del Baptisterio de la catedral de Florencia. “Puerta del Paraiso. Renacimiento italiano, Quattrocento. 1425-1452. Puerta de dos hojas en bronce con diez paneles el relieve con escenas del Antiguo Testamento. 520 cm. de altura por 310 cm de anchura .Lorenzo Ghiberti, Florencia , 1378-1455. Baptisterio de San Juan, Florencia.Habiendo ganado el concurso convocado en 1401 para las segundas puertas del Baptisterio, con la participación entre otros de Filippo Brunelleschi, al que derrotó sorprendentemente, el gremio de los comerciantes de Florencia le encargó la realización de éstas, bautizadas por Miguel Ángel Buonarroti como Puertas del Paraíso.Es una reproducción, los paneles originales se encuentran en el Museo de l´Opera del Duomo, Florencia.Características: Cada uno de los diez paneles muestra varias escenas

relacionadas con la historia central del mismo. En todos ellos está presente el dominio técnico de

Ghiberti sobre el bronce y la fundición. Recupera los principios empleados en el relieve

clásico, con un claro sentido pictórico ya que todas las composiciones se tratan como la pintura de sus contemporáneos.

Ghiberti se movió con gran libertad en la ejecución de los temas bíblicos, desde la creación de Adán y Eva en el primer panel a la izquierda, al encuentro entre Salomón y la reina de Saba en el último a la derecha.

Ghiberti utilizó los estudios de perspectiva para construir el espacio y situar en él a los personajes, muy numerosos en todos los paneles.

El tamaño de las figuras está determinado por su posición en el espacio, también el relieve y el detalle.

Naturalismo en la representación del cuerpo humano, interés por el desnudo, tanto masculino como femenino.

Gran variedad de tipos humanos así como de posturas, gestos y expresiones tratados con exquisito detalle.

Incorporación de elementos de paisaje natural, árboles, rocas, ríos o arquitectónicos.

Donatello también trabajo el relieve en el pedestal de San Jorge o las historias de San Antonio en la basílica de Padua.

Panel de Adán y Eva. Con la creación del hombre, la creación de Eva, el pecado original y la expulsión de Adán y Eva del Paraíso por el ángel.Coros de ángeles acompañan al Creador en sus acciones.

El Creador expulsando a Adán y Eva del Paraíso. Un coro de ángeles a su alrededor

El ángel atraviesa la puerta del Paraíso empujando con su gesto a los pecadores.

Adán y Eva, atemorizados, cubren sus desnudeces en un espacio vacío.

Eva nace del costado de Adán dormido, los ángeles ayudan al creador.

La creación del hombre

El pecado original. Adán y Eva toman el fruto prohibido

Árboles variados, arroyos de agua hacen alusión a la feracidad del Paraíso

David. Renacimiento italiano, Quattrocento. 1444-1446. Bronce. Escultura exenta o de bulto redondo. 158 cm. De altura. Donatello, Florencia. 1386-1466. Museo Bargello , Florencia.Tema: El episodio bíblico en que el joven pastor del pueblo de Israel, David, lucha contra el gigante filisteo Goliat, al que derrota armado solo con su honda, derribándolo y cortándole la cabeza con su propia espada.El momento elegido por Donatello para representar el tema, es el momento final en el que todo ya ha sucedido, David ha vencido a su enemigo y posa pisando la cabeza del gigante.Características: Donatello recupera el interés por el desnudo y la belleza ideal de la

escultura antigua, es el primer desnudo fundido en bronce desde la Antigüedad Clásica, liberado de la subordinación al marco arquitectónico.

Un atrevido desnudo masculino, en reposo y en elegante actitud, en correspondencia con un rostro de serena expresión.

La figura de David nos muestra un claro contrapposto, recordando la famosa curva de Praxíteles, al apoyar su pie izquierdo en la cabeza de su enemigo. Línea cerrada.

Perfecta la anatomía del joven David y modelado suave y muy acabado por el que resbala la luz.

Sera un tema muy recurrente durante todo el Renacimiento y el Barroco.Otras obras de Donatello son: San Jorge,Retrato ecuestre de Erasmo de Narni, Gattamelata.Una de las cantorías de la Catedral de Florencia.El profeta Habacuc, para el campanile de la Catedral de Florencia.

Otros artistas del período:Lorenzo Ghiberti, escultor.El arquitecto Filippo Brunelleschi.Los pintores Piero della Francesca y Masaccio.

Gattamelata.Renacimiento italiano. Quattrocento. 1444- 1453.Bronce. Escultura exenta. Retrato ecuestre del condottiero Erasmo de Narni . 340 X390 cm, sobre pedestal de más de 7 m. de alto.Donatello, Florencia. 1386-1466. Padua, delante de la basílica de San Antonio.Características: El primer retrato ecuestre en bronce y de gran

tamaño desde la Antigüedad. El modelo es el retrato .a caballo del emperador

romano Marco Aurelio. Monumento público en el que se exaltan las

virtudes del retratado, su valor y heroísmo le han llevado a la victoria en el campo de batalla.

Caballo y caballero avanzan serenos, mostrando la autoridad que da ser vencedor sin violencia.

Línea cerrada, l a esfera que aparece bajo la pata del caballo, cierra el contorno del grupo, equilibrio, sugerencia de movimiento, decidido hacia adelante, proporción y armonía.

Andrea del Verrocchio realizará años más tarde, 1479, el retrato ecuestre del condotiero Bartolomeo Colleoni.

Piedad del VaticanoRenacimiento italiano, Cinquecento . 1498-99.Miguel Ángel Buonarroti, Florencia 1475 - Roma 1561.Mármol de Carrara. 174 x 195 cm.Basílica de San Pedro del Vaticano. Roma. La obra fue encargada por el cardenal

de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede.

Tema medieval con poca tradición en el mundo italiano.

Escultura exenta pero tratada para una visión frontal

María acunando el cuerpo muerto de su hijo.

Totalmente acabada y firmada por el autor, en la cinta que recorre el pecho de la Virgen.

Concepción piramidal que refuerza la serenidad que trasmite el grupo.

Equilibrio y belleza idealizada. En el cuerpo de Cristo se han suavizado las terribles marcas de la pasión y muerte y su estudio anatómico nos traslada a la belleza clásica.

Muy joven “Vergine Madre, figlia del tuo figlio…”

Belleza ideal, frescura y juventud en el rostro de María.

No hay sufrimiento ni dolor, sino tristeza y melancolía, serenidad y dulzura.

Envuelta en un ropaje de plegado abundante que aumenta la estabilidad de la obra.

En años posteriores Miguel Ángel volvió a interpretar el tema de la Piedad pero abandonando la serenidad y equilibrio de ésta en obras más expresivas.Piedad de Florencia de 1550.Piedad Rondanini de 1564.

Son contemporáneos de Miguel Ángel los grandes maestros del Cinquecento italiano , Leonardo de Vinci, Rafael Sancio o Tiziano Vecelio.

David.Renacimiento italiano, Cinquecento, Entre 1501 y 1504. ClasicismoMiguel Ángel Buonarroti, Florencia 1475 - Roma 1561.Escultura exenta o de bulto redondo.Mármol de Carrara. 440 cm. Galería de la Academia. Florencia. Encargada por Piero Soderini, gobernador de la nueva república

florentina y destinada a ser colocada en un espacio público, la plaza florentina de la Signoría, junto a la entrada del Palacio Vecchio, como símbolo de las libertades conseguidas por la ciudad de Florencia

El bloque de mármol de Carrara se encontraba en el patio de las obras de la catedral de Florencia, había sido desbastado por Agustino di Duccio y después por Antonio Rosellino. Más de veinte años después se le entregó a Miguel Ángel para realizar la obra del David.

Esculpido durante dos años en secreto, en una barraca preparada para ello, en la obra de Santa María in Fiore.

Se tardaron cuatro días en alcanzar el emplazamiento definitivo, arrastrada por cuarenta hombres en un armazón de madera que se desplazaba sobre troncos.

En 1873 fue trasladado a la Galería de la Academia y colocado una copia en su lugar en la Plaza de la Señoría.

A diferencia del modelo en bronce de Donatello, ya no es un adolescente victorioso, con la cabeza del enemigo a los pies, sino un joven vigoroso, en los instantes previos al combate, representado como un desnudo integral que sintetiza la belleza helénica.

Estudio anatómico extraordinario y clara expresión de la belleza

La posición de contrapposto para establecer una inclinación de caderas y hombros, principio fundamental del clasicismo para hacer que las figuras se muevan con naturalidad en el espacio.

La pierna libre de carga se adelanta en lugar de retrasarla.

Movimiento potencial, contenido , línea cerrada. Tensión. Ningún miembro se encuentra distendido ni

relajado, la mano izquierda sujeta la honda que cae por su espalda, en su mano izquierda la piedra que lanzará a la frente de su enemigo.

Aunque la escultura es exenta, trabajada en todo su volumen, una visión lateral nos la muestra excesivamente plana, condicionada por el bloque de mármol ya trabajado que se le entregó a Miguel Ángel.

Desproporción en el tamaño de manos y cabeza con lo que el artista intensifica la expresión y la acción de David.

Miguel Ángel da forma en el mármol al concepto neoplatónico de la belleza ideal.

Una característica frecuente en la escultura de Miguel Ángel es la llamada “terribilitá”, expresión amenazadora, intensificada en el David con las pupilas talladas que buscan a su enemigo para iniciar el combate.

Este David se nos presenta como vencedor antes de iniciar la lucha tal es la seguridad y decisión que manifiesta.

Otros escultores también trabajaron el tema del David: Donatello en el siglo XV y Juan Lorenzo Bernini en el siglo XVII.

MoisésRenacimiento italiano, Cinquecento, Entre 1515 y 1516. Clasicismo.Miguel Ángel Buonarroti, Florencia 1475 - Roma 1561.Escultura exenta o de bulto redondo.Mármol de Carrara. 235 cm. Iglesia de San Pietro in Víncoli. Roma.La monumental figura de Moisés formaba parte de un ambicioso proyecto escultórico, el monumento funerario para el pontífice Julio II que, por determinadas circunstancias de diversa índole, fue simplificándose hasta quedar reducido a la tumba parietal que hoy podemos ver en la iglesia de San Pietro in Vincoli en Roma.La imagen de Moisés se pensó para el segundo proyecto.Características: El profeta Moisés que conduce al pueblo de Israel hacia la tierra

prometida, acaba de recibir de Dios las tablas de la ley en el Sinaí y encuentra a su pueblo entregado a la idolatría, lo que justifica la terribilitá en su rostro, de nuevo la expresión amenazadora e iracunda ya vista en el David.

La poderosa imagen de Moisés está sentada, pero no descansa, su imponente anatomía esta en tensión, es el movimiento potencial , inmediatamente anterior a la acción violenta. La pierna izquierda del profeta se muestra como una palanca que puede levantarlo con rapidez.

Línea cerrada. Contrapposto. De su cabello sobresalen dos “cuernos”, rayos de luz que

brotaban de la cabeza de Moisés después de su entrevista con Dios, símbolo de la sabiduría divina.

Capilla funeraria de los Médicis.Renacimiento italiano, Cinquecento, desde 1519 a 1545. Clasicismo.Miguel Ángel Buonarroti, Florencia 1475 - Roma 1561.Sacristía Nueva de la Iglesia de San Lorenzo de Florencia

Giuliano de Médicis, Duque de Nemours, muerto en 1516. Las alegorías de la noche y el día.

Lorenzo de Médicis, Duque de Urbino, muerto en 1519. Las alegorías del crepúsculo y la aurora..

No son retratos sino figuras muy idealizadas, como almas de difuntos liberadas del cuerpo. Ambos sentados y vestidos como antiguos militares romanos.

Giuliano de Médicis con bastón de mando como capitán general. Con monedas en su mano derecha y regazo aludiendo a su generosidad.

Lorenzo de Médicis conocido como “Il pensieroso”, en actitud pensativa. La mano en la barbilla y sujetando lo que parece una bolsa, el dedo en los labios invita al silencio. Su brazo izquierdo apoya sobre un cofrecillo, ¿alusión a la avaricia?

Las figuras recostadas de la noche y el día sobre una superficie curva, resbaladiza e insuficiente para el tamaño de las alegorías. De nuevo la tensión que se manifiesta en toda la escultura de Miguel Ángel.

Figuras desnudas con distinto grado de terminación. La de la noche es la más acabada, recostada sobre una máscara, con una lechuza a sus pies y una diadema en su cabello con una luna y una estrella.

Alusión a la vida activa, día y noche como momentos del tiempo bien definidos y contrastados. Estudios anatómicos imponentes.

Alegorías del crepúsculo y la aurora, los dos vueltos hacia el espectador. Alusión a la vida contemplativa, crepúsculo y aurora como momentos de transición e incertidumbre. También pueden aludir sencillamente al paso del tiempo. El crepúsculo cansado, la aurora se despereza. Las figuras de las cuatro alegorías fueron colocadas sobre los sepulcros por discípulos de Miguel Ángel.