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¡Todo a pulmón! Entrevistas a diez teatristas argentinos (comp. Lola Proaño y Gustavo Geirola), Editorial Argus-a/ Artes y Humanidades, Buenos Aires-Los Ángeles, 2016, 199 pp.

Proaño, investigadora teatral y profesora emérita del Departamento de Lenguas de Pasadena City College, junto a Geirola, director e investigador teatral, docente del Departamento de Lenguas Modernas y Literaturas de Whittier College, son los encargados de este libro, muestra de cómo se hace teatro por encima de cualquier obstáculo. Esto se constata en las diez entrevistas que marcan un trabajo ininterrumpido de un grupo de teatristas argentinos por más de dos décadas. Actores, dramaturgos, directores y otros creadores conforman el tejido del volumen que ofrece, mediante sus propias voces, una panorámica de la labor teatral.

Mariana Mazover, Román Podolsky, Andrés Binetti y Mariela Asensio, son algunos de los protagonistas del diálogo. Realizadas durante el 2015, las entrevistas, al decir de los autores, “partieron de inquietudes más ligadas a la tarea de la dirección […] a partir de ahí se despliegan muchas cuestiones que permiten apreciar el modo de producción escénica y espectacular que prima hoy en el teatro off de Argentina”. Con un balance de voces femeninas y masculinas, la selección se realizó enfocada en una promoción de artistas que ha desarrollado su labor en las últimas dos décadas.

Proaño y Geirola ofrecen un material muy útil para investigadores, profesores y

estudiosos de la escena. Desde preguntas tan primarias como ¿qué es para vos hacer teatro? cada diálogo aborda el hecho teatral desde multiplicidad de miradas críticas sobre la escena. ¡Todo a pulmón! resulta una manera de promover y articular estas creaciones. Más que un debate, las respuestas se remiten a un cuestionario que indaga en problemáticas y paradojas de la producción teatral argentina contemporánea, sobre todo en torno a esa escena amparada por el marco de lo independiente.

Raquel Rojas: “Navegaciones escénicas” de la aldea global a la táva teatral guaraní, Colección Talía Guaraní, Asunción, 2016, 260 pp.

Según el prólogo “Las dos escenas” del crítico de arte, curador y profesor Ticio Escobar, este libro toma como uno de los puntos centrales de su desarrollo el colectivo teatral Aty-Ñe’ē, que, “conformado a comienzos de la década de los años 70, en el momento quizá más violento de la dictadura de Alfredo Stroessner, marcó con fuerza la historia del teatro paraguayo”.

Fundadora de Aty-Ñe’ē, Raquel Rojas traduce este término como “verbo colectivo”, aunque también podría significar “la palabra del grupo”. Las Veladas, resulta otro momento crucial referido por la autora. De esta manera, la autora Rojas establece puentes y paradojas entre cada hecho teatral. Según afirma Escobar, este libro “trabaja el cruce entre lo ‘popular’ y ‘lo culto’”, como forma de expresar un modelo para comprender el desarrollo teatral de la nación sureña.

Investigadora y directora teatral, Raquel Rojas configura un mapa del quehacer escénico del Paraguay. La autora se arriesga y realiza un acto de re-pensarse y auto-observarse, con el fin de trazar cruces con

momentos importantes del teatro universal. Modelos como el de la Commedia dell’ Arte y el del juglar son estudiados por la autora, quien observa las influencias en las tablas paraguayas.

Dividido en dieciséis capítulos, el texto se refiere a la apropiación transcultural del teatro en el Paraguay. Ambas miradas sobre el teatro se entrecruzan, la paraguaya y la euroccidental. Al decir de Escobar, “la autora dibuja el contorno posible de un mapa inestable que, en algún momento de su búsqueda de acomodo, logra que dos formas extrañas entren en fricción o en alianza”.

Junto a Escobar, diversas voces ofrecen un breve análisis del volumen y la autora. Es el caso del director escénico y del Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, Pepe Bablé y del académico e investigador Gerardo Fogel, quien afirma que el gran aporte del libro es el de “mirar con ojos del mestizo hispano-guaraní el teatro latinoamericano universal”.

stella matute: Delia. Crónica de un abrazo, Grupo editorial Sur, Buenos Aires, 2015, 141 pp.

Con prólogo de la investigadora argentina Olga Cosentino, la importante actriz, gestora y narradora mendocina Stella Matute brinda parte de su dolor en este volumen, dedicado a su hermana Delia. “Literatura de cámara o testimonio poético a dos voces: la de Stella y la de Delia”, según afirma Cosentino, el título es un recorrido aleatorio a través de momentos y lazos que unieron a las hermanas a lo largo de la vida compartida y aún, más allá de la muerte física de Delia.

Los miedos, el consuelo, la admiración y el compromiso ideológico de cada una, la toma de posición frente a la dictadura militar surgen en el libro. Además, “da cuenta del más desgarrador exilio que le tocó vivir a

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Stella cuando la muerte de Delia la arrojó en un desamparo fraterno donde, sin embargo y a pesar de tanto, empezó a construir el dique fecundo de su poesía”, afirma Cosentino.

La propia autora califica este libro como “un compilado de escritos desesperados junto a un manojo de escritos admirados”. Tras una “Imprescindible apostilla”, se suceden las páginas de esta bitácora de la añoranza. Tal parece que Matute escribe de prisa cuando se leen sus palabras lanzadas unas tras otras, como si no quisiera dejar escapar ningún recuerdo.

Stella Matute se torna vulnerable y hace al lector cómplice de dos vidas compartidas, de la línea entre el desasosiego y el encuentro con su hermana Delia. Así presenta el libro “como un intento más de retenerla de este lado”.

Fragmentos de un diario de Stella sobre su vínculo con su hermana se unen a trozos de poemas y fotos que dibujaron los lazos entre ambas. Con ello, el lector podrá entender el dolor de la autora y también acercarse a su trayectoria teatral. Así se referencia el estreno de Fragmentos de un pianista violento o del soneto que Delia le dedicara por el estreno de De cómo el Sr. Mockinpott logró liberarse de los padecimientos.

VV.aa.: El drama de los dramaturgos. Escribir teatro en la Costa Rica del siglo XXI, Tinta en Serie, San José, 2016, 120 pp.

Jorge Arroyo, Ana Istarú, Melvin Méndez, Ailyn Morera y Arnoldo Ramos son los autores que hablan en este volumen dedicado a la escritura teatral costarricense. Desde su gestación, la editorial Tinta en Serie, única enfocada en el teatro de la nación centroamericana, difunde y promueve el arte escénico de Costa Rica, dentro como fuera

comedias que transitan por el humor ácido y el sarcasmo. Según la teatrista Itziar Pascual, autora del prólogo a esta edición, el humor le permite a Sanchis Sinisterra “desacralizar el mundo que contempla, evitando el sermón, la solemnidad y el discurso hecho”. Por ello, las creaciones de este autor se alejan de la recepción complaciente y observan con agudeza la realidad circundante.

Con el subtítulo Las autoridades sanitarias no advierten de que las armas perjudican seriamente la salud, la pieza Misiles melódicos presenta a Javier Zulueta, personaje central, un magnate de la industria armamentística española, se despierta afectado repentinamente por una afección faríngea de dudosa naturaleza: no puede expresarse sin cantar. Este será el detonante para que se sucedan diversos momentos de la pieza, que bordea los límites de la ironía y la parodia.

Perteneciente a una trilogía dedicada a las artes, compuesta además por El lector por horas y La raya en el pelo de William Holden, Misiles melódicos es una exploración en torno a la hibridez de géneros, y muestra lo metateatral como eje de la creación de Sinisterra.

Vitalicios es la segunda pieza que compone el presente título, “una obra en la que lo kafkiano sirve al dramaturgo para construir una crítica demoledora a este tiempo presente de recortes sociales y precariedades colectivas”, así afirma Itziar Pascual en el lúcido análisis que antecede a las obras.

La pieza es acompañada del subtítulo de Sainete negro, evidencia de un juego con este género menor de la tradición teatral. En el texto Sinisterra concibe un mecanismo dramatúrgico en el cuales los personajes son “máscaras y voces, en las que la palabra, entendida como iceberg, que oculta tanto cuanto designa, tiene un lugar imprescindible”, plantea Pascual.

Este volumen permite acercarse más a la obra de este reconocido autor español.

de sus fronteras. La nota editorial “En el camerino”, que sirve de preámbulo, afirma cómo Tinta en Serie ofrece “un espacio, una posibilidad donde publicar”. Este título así lo evidencia, y plantea las problemáticas ante lo que es escribir teatro en el siglo XXI, en el ámbito costarricense.

El género de la entrevista es utilizado para conocer el pensamiento y la expresión de los dramaturgos, quienes hablan sobre su concepción del oficio, sus prácticas creativas y su trayectoria personal. Indagar en el proceso de escritura de cada autor resulta uno de los propósitos del volumen, lo cual se revela mediante el testimonio.

Realizadas entre julio de 2014 y marzo de 2015, las entrevistas tuvieron como guía un cuestionario aunque “fue más bien la base o el punto de partida para un diálogo abierto”. Dividido en escenas, cada una correspondiente a un autor, el diálogo trasluce un ritmo ágil que nos permite acercarnos a las figuras de los artistas. La motivación para escribir teatro, las ideas sobre la dramaturgia costarricense, las marcas que debe tener hoy, y la duda ante la existencia de una dramaturgia feminista son algunas de las bases que vertebran el libro.

“Más que feministas, hablaría de ‘antipatriarcalista’, contra el patriarcado, porque el feminismo es la reivindicación de los derechos negados a las mujeres, pero luchar contra la mentalidad patriarcal implica luchar contra un orden social que reprime, margina […]”, afirma Ana Istarú.

José sanchis sinisterra: Misiles melódicos. Vitalicios, Asociación de Directores de Escena de España, 2016, 204 pp.

Con este volumen, el importante dramaturgo y director teatral español da a conocer dos

VV.aa.: El teatro fuera de los teatros. Reflexiones críticas desde el archipiélago teatral, (Gustavo Remedi, coord.), Ediciones Universitarias, Montevideo, 2015, 245 pp.

Auspiciado por la Universidad de la República (Udelar) mediante la Colección Biblioteca Plural, con este libro Remedi nos presenta quince ensayos –uno bajo su firma– que amplían el concepto de lo entendido por estudios teatrales.

En el prólogo de Remedi, titulado “El teatro fuera de los teatros: Argumentos para una reconceptualización del campo del teatro y el estudio crítico de otras teatralidades”, se brindan puntos esenciales del volumen, enfocado en esos territorios teatrales “también parte del ‘sistema teatral’, aun si existe en sus intersticios y márgenes, y que aquí intentamos evocar con la noción del ‘teatro fuera de los teatros’”. Muy útil para investigadores de la escena, este texto obliga a revisar premisas y conceptos con respecto a la cultura y el teatro.

Hallamos escritos tales como: “El desalojo de la calle de los negros (también) fue una obra de teatro”, de la escenógrafa uruguaya Cristina González, acerca de la puesta en escena de 1995, El desalojo de la calle de los negros, basado en el texto del autor negro Jorge Emilio Cardoso e insertado en la tradición del Teatro Negro Independiente, “del teatro comunitario y del teatro documento”, según afirma González.

Otro de los lúcidos artículos resulta “Convergencia(s): arte, espacio público y vida cotidiana”, del chileno Pedro Celedón, quien se acerca a las experiencias en torno a Convergencia(s), “una investigación aplicada que propicia reflexionar sobre el cómo participar desde el arte en el cotidiano de la vida de nuestras ciudades”.

Otros investigadores como las argentinas Lola Proaño, Lorena Verzero; y los uruguayos Juan Estrades Pons y Ana Laura Barros, también integran el corpus del libro.

Rómulo pianacci: Antígona: una tragedia latinoamericana, Editorial Losada S.A., Buenos Aires, 2013, 341 pp.

Arquitecto, investigador, docente, diseñador y director teatral, Pianacci rastrea hace años el mito de Antígona. ¿Cómo se ha traducido con el transcurso del tiempo esta tragedia sofocleana? resulta una de las preguntas que vertebra la investigación del autor.

Las dramaturgias de la Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, México, Nicaragua, Paraguay, Perú, Puerto Rico, la República Dominicana, Uruguay y Venezuela confluyen en las páginas del volumen. Teatralidades en torno a realidades diversas y que, sin embargo, tienen en su mapa una o varias miradas sobre la tragedia mítica de Antígona.

El autor estudia nuestras Antígonas latinoamericanas y con ello, la producción dramatúrgica latinoamericana para descentralizarla de la óptica europea.

Pianacci postula una nueva concepción histórica de la mujer, deshilvanando en la tragedia antigua el eros o amor temeroso, perverso, erótico y prohibido, para entretejer nuevos condicionamientos de la visión femenina en el teatro.

Primeramente, el autor nos acerca al rito y la tragedia en el teatro griego, al Ciclo Tebano y cómo Sófocles se apropia del mito de Antígona para hacer su obra. Pianacci también se refiere a algunas Antígonas europeas de autores como Jean Cocteau, Salvador Espriu, Jean Anouilh, Bertolt Brecht y José Bergamín. Con estas coordenadas como preámbulo, el autor comienza el

recorrido por las Antígonas latinoamericanas, numerosas y disímiles en su concepción.

Así el lector encontrará una panorámica dramatúrgica de la región. Autores como Griselda Gambaro, de Argentina; Jorge Andrade, de Brasil; Patricia Ariza, de Colombia; José Watanabe, de Perú, solo son un guiño al amplio número de dramaturgos estudiados en el volumen. Como apéndice Pianacci ofrece una mirada al texto en construcción Antígona guaraní, del paraguayo Víctor Sosa.

Para concluir, en sus Palabras finales, el investigador afirma que “El mito de Antígona se refunda, en nuestro continente, en relación con las experiencias individuales de los diferentes dramaturgos y las experiencias sociales de los diversos contextos, mostrado con eficacia en la obsesiva repetición de la heroína trágica”.

Ramón Griffero: Your desires in fragments and other plays (trad. Adam Versényi), Oberon Books, Londres, 2016, 299 pp.

Dedicado a uno de los dramaturgos más importantes de la escena chilena de los años 80, este volumen publica diez piezas teatrales de su gran obra. Traducidas al inglés por el teatrista y académico Adam Versényi, las piezas acercan y brindan un repertorio de la dramaturgia de Griffero para los creadores de lengua anglosajona.

Autora de la Introducción, la investigadora Catherine Boyle resalta cómo desde los 80 el teatro de Griffero marcó el inicio de un nuevo lenguaje dramático chileno. Desde su primera obra escrita en Bélgica, Ópera para un náufrago, el creador chileno mostró, al decir de Boyle, “la creación de una dramaturgia del espacio, que entrelazaba escenografía, texto y la acción escénica”.

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En la década del 80 Griffero, mediante la compañía Teatro de Fin de Siglo y el centro cultural El Trolley, estableció nuevas maneras de impugnar el orden político dominante, la dictadura de Pinochet, a través de su creación teatral. En el lúcido análisis previo, Boyle afirma cómo para Griffero “el problema de los dramaturgos durante la dictadura no era ‘desde dónde escribir’, algo que siempre estaba dado… para él la cuestión era ‘cómo escribir’, cómo usar el mismo lenguaje y hacer que pareciera de otro lugar, hablando de otros”.

El presente título también reúne piezas escritas en los años 90 y 2000, como Downstream (Río abajo, 1995) y Your Desires in Fragments (Tus deseos en fragmentos, 2003) en los que remodela con fuerza espacios encerrados y múltiples. Así expone la intimidad marginal del bloque de viviendas por el río de Río abajo y el trabajo conceptual de Tus deseos en fragmentos, que establece un juego entre innumerables espacios, entre el pasado y el presente, el yo interno y externo, el íntimo y el público.

VV.aa.: Teatro en Santiago. Memoria y pasión, (comp. Ramiro Herrero, Marcial Lorenzo Escudero y Pascual Díaz Fernández), Fundación Caguayo y Editorial Oriente, Santiago de Cuba, 2015, 175 pp.

Tres teatristas santiagueros son los encargados de rescatar el quehacer teatral en Santiago de Cuba y de estudiar la labor de las instituciones que lo propiciaron. Ideal para investigadores y estudiosos de las artes escénicas, el título establece cronológicamente los principales grupos y procesos teatrales que han impulsado el desarrollo teatral de la región oriental de Cuba.

Visto como un proceso cultural integrado a la cultura cubana, desde las fiestas del

Corpus Christi, los autores brindan una semblanza de cada etapa de la historia teatral, lo cual encamina los primeros pasos de quien desee adentrarse en esta parte de la historia del teatro cubano.

Lo que significó el triunfo revolucionario para la creación escénica, con la labor de grupos tan importantes como el Cabildo Teatral Santiago, la Teatrova, creadores esenciales como Ramiro Herrero y Rogelio Meneses; son aspectos que recrean un mapa de la escena santiaguera, diversa y múltiple. También se incluye la mirada a eventos como el festival Máscara de Caoba, difusor de la escena del oriente cubano. Junto a los compiladores aparecen las voces de estudiosos como Elio Luis Salas, Vladimir Martínez Savón, Rogelio Meneses, figuras fundamentales en la promoción de la escena santiaguera.

Homenaje e investigación, este libro es solo un acercamiento a una escena teatral llena de complejidades. Apoyado por fotografías de puestas en escena e imágenes de carteles, Teatro en Santiago…, abre una puerta hacia estudios posteriores de la escena santiaguera.

narciso telles (comp.): Cena Contemporánea. Estudos de encenação e atuação [em Potestade], Paco Editorial, Jundiaí, 2016, 226 pp.

Este libro es resultado del II Encuentro Internacional “Conexión argentina” con el que, desde su creación, los investigadores del Grupo de Estudios e Investigación sobre los procesos de creación y formación en Artes Escénicas (GEAC) de Universidad Federal de Uberlandia han desarrollado acciones para intercambiar experiencias de cada investigación en desarrollo.

Desde el prefacio, escrito por Leonel Martins Carneiro, actor e investigador con doctorado en las Artes Escénicas, se advierte lo necesario de esta contribución para los estudiantes brasileños de artes escénicas, pues estudia la formación del teatro argentino contemporáneo y establece sus vínculos con el teatro brasileño.

Para una mejor comprensión de estos procesos, el libro está dividido en dos partes, la primera aborda, de manera más general, la escena contemporánea argentina y la actuación, a partir de ejemplos locales y brasileños, y resalta el vínculo histórico entre los dos países. La segunda parte manifiesta el estudio de la pieza Potestad, del autor argentino Eduardo Pavlovsky, a partir del montaje realizado por Narciso Telles y André Carreira, en 2012.

Entre los autores que aparecen en el volumen se encuentra la académica e investigadora Julia Sagaseta, con el artículo “Recorriendo el teatro argentino”, “tan próximo y tan distante de la realidad brasileña”, afirma Martins, en el prólogo, que brinda pautas para entender el contexto donde se forma la escena argentina contemporánea, mediante referencias esenciales como Ricardo Bartís, Emilio García Wehbi y Lola Arias.

Otro de los textos que debe destacarse es el del creador Julio Borba, quien se enfoca en prácticas del teatro comunitario, en el trabajo titulado “Fiesta de la memoria como metodología del teatro comunitario argentino”. Con “La poética de la discordancia. Manifiesto para mí”, García Wehbi expone algunas de sus líneas de trabajo, “apoyo el arte, no como política por su temática, sino por el procedimiento formal de su acción”, afirma el reconocido artista.

André Carreira, Renato Ferracini, son otros de los autores que intervienen en el volumen. Junto a ellos, Telles analiza su propio vínculo con la acción teatral de Potestad. m